Enrique López Llamas y Francisco Rangel fueron los ganadores de la 10ª. Bienal de Dibujo y Pintura Enrique Guzmán. A raíz de este reconocimiento, platicamos con Rangel sobre algunas de sus obras.
ODAC: Comencemos con tu obra El Cliente, un óleo sobre MDF con la frase “Pinta un retrato de mi mamá”. Estoy casi segura que hay una buena historia detrás de ella, ¿podrías contarnos?
Francisco Rangel: Es una pieza muy pequeña de 15cmx15cm, la realicé con material sobrante de otro cuadro. La razón vino de un recuerdo de cuando era estudiante de Administración de Empresas (me arrepiento de eso), cuando mis compañeros se enteraron que también estudiaba Artes Visuales me hacían pedidos como los del texto del cuadro, por supuesto que gratis. Es una suerte de burla hacia situaciones que han ocurrido no solo durante ese tiempo sino que hay sido una constante.
ODAC: En tu pieza ¿Qué has hecho para que te tomen en cuenta? III (ganadora de la 10ª. Bienal de Dibujo y Pintura Enrique Guzmán) incluiste pedazos de tus pinturas quemadas, ¿cómo seleccionaste cuáles destruir? ¿cuál fue el proceso para realizarla?
FR: La mayoría de las piezas que quemé pertenecían a una serie que realicé durante el 2016 gracias al apoyo del PECDA. La verdad es que nunca me convencieron aunque las trabajé y las volví a trabajar. También están otras piezas que hice hace años y que no me dicen mucho, lo considero un deslinde hacia piezas que ya no tienen el peso que en su momento tuvieron o que me muestran carencias que me son difíciles de querer mantener. Al final las obras son recordatorios, más aún cuando estás en tu espacio de trabajo.
No son una selección, simplemente tomé lo que había en mi estudio, trabajo en un lugar pequeño en casa, gran parte de ellas solo estaban ocupando espacio, tomé las piezas y las llevé a un lugar abierto donde cortarlas y quemarlas. Fue una sensación gratificante debo decir.
La verdad es que yo en ese momento estaba trabajando otro tema, sin embargo tengo periodos de frustración y molestia sobre cómo es el sistema del arte en general pero particularmente en Aguascalientes. Estas tres piezas que a la vez son una, son la representación física de eso.
Al principio el tríptico se abordaba desde una perspectiva autocrítica, la mutilación y quema de las piezas es la frustración de no poder ser capaz de comunicarme con nadie sobre lo que se supone quiero decir. También recurro a lo que considero una pregunta eterna a lo largo de mi trabajo en el arte ¿para qué?, la pieza no responde nada pero por lo menos saco un poco la frustración destruyendo algo que trabajé.
En el caso del letrero es diferente, es la confrontación hacia los principios de validación artística por medio del Instituto Cultural de Aguascalientes y las figuras totémicas que deciden quién sí y quién no.
ODAC: En una fotografía replicas la pintura de navajas de Enrique Guzmán. Tu obra Progreso (palabra hueca) también parece estar en sintonía con la pintura de Guzmán. Además, ambos son de Aguascalientes, ¿ha ejercido alguna influencia en ti como artista? ¿Puedes contarnos más sobre estas dos piezas?
La foto la hice porque hubo un concurso local en la cual había que representar una obra de Guzmán, no fui seleccionado pero como me divertí haciéndola por eso la publiqué. Si soy muy honesto, no soy gran seguidor de la obra de Enrique Guzmán. Pero me intriga que la obra (Palabra hueca) pueda tener algunas coincidencias con él.
Hace unos años estaba en un colectivo que se llamaba la Autodefensa Artística de Aguaskatlán donde en varias ocasiones buscábamos cuestionar la relevancia de Figuras como Posada, Guzmán, Contreras y Herrán. No tanto en cuanto a términos estéticos sino en cómo se institucionalizaron para representar discursos políticos o como alimento del Instituto Cultural de Aguascalientes.
Para la obra Progreso (palabra hueca) la idea es ironizar con los planes federales, estatales y municipales sobre cómo debe progresar una zona del estado, a su vez está mezclado con un atardecer. Los atardeceres suelen ser considerados como un atractivo turístico del estado por su belleza. El motivo para usarlos constantemente en las piezas es porque los considero distractores de problemas reales como los espacios abandonados, la difícil integración de los migrantes al estado, o como no funcionan los planes de desarrollo.
ODAC: Tienes algunos experimentos en los que mezclas tus lienzos con otros materiales como concreto o vidrios, como en las obras ¿Valió la pena? y Concretando la propuesta. ¿Podrías hablarme más de ellas? Desde de dónde proviene el título, la elección de materiales, ¿qué querías probar con ellas?
FR: Las piezas ¿Valió la pena? y Concretando la propuesta buscan desvincular la representación física de inmuebles, acudiendo a materiales constitutivos de los mismos. Ambas piezas pertenecen al tema de la migración de personas de la Ciudad de México a Aguascalientes a raíz del terremoto de 1985.
Me ha costado mucho separarme de representaciones tradicionales, siento atracción a la pintura expandida partiendo del texto de Rosalind Krauss “La pintura en el campo de lo expandido”. Busco desprenderme de mi entendimiento lineal sobre la ejecución de la pintura. El título “Concretando la propuesta” es un chiste personal donde según yo estoy avanzando en mi quehacer artístico.